Artistas

A

Alain Brugier

Autodidata, Alain Brugier, desde 1987 até hoje colabora com as principais revistas nacionais de arquitetura e interiores, como Vougue, Kaza, Made, entre outras. Têm materias publicadas em revistas internacionais como Interior Design (USA), Planimage (Canadá), Dom, Domus Design (Russia), Grazia (Itália), Maison Creative (França) e Nyarum (Suécia). Participou de exposições no MAM-São Paulo e no MASP-São Paulo, e também participou na primeira edição do Fotonordeste. 

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ALESSANDRA CHEHEBAR

Nascida em 1980 na cidade de São Paulo, formou-se em arquitetura e urbanismo pela faculdade de Belas Artes de São Paulo.

Especializou-se em design de interiores e encontrou no design gráfico um novo universo para expressar sua criatividade.

Apaixonada por fotografia, profissionalizou seu grande hobby e passou a criar composições abstratas através da intervenção digital que surgem para contrastar com o geométrico contemporâneo que caracteriza suas criações gráficas.

Em constante experimentação de novas técnicas, acredita que o futuro pertence àqueles que aprendem mais habilidades e conseguem combiná-las de maneiras criativas.

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Alessandro Risuleo

Risuelo nasceu em Roma em 1971 e tem mais de 20 anos de experiência em Comunicação Visual, sua expertise como diretor de arte levou-o a criação da sua própria agência onde a fotografia tornou-se um meio para Risuleo expressar sua criatividade. Ele se move entre o abstrato, pictórico e a hiperrealidade, onde a técnica fotográfica é usada até o seu máximo potencial. "Eu penso que o amor pela imagem e pela arte sempre foram uma parte da minha personalidade e da minha educação, que sempre se moveu em duas direções: a contaminação das línguas, por um lado, e a beleza da Arte, por outro lado."

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Alex Bonfim

Formado em Produção Multimídia, mas muito apaixonado por artes gráficas , o designer Paulista, Alex Roberto ou Bonfim como também é conhecido, resolveu criar a Bonfim Arts para compartilhar as suas estampas.

Descobriu que as suas artes poderiam ir além do mercado da moda, ampliando seu trabalho e focando na criação artística para a decoração.

Tendo como inspiração lembranças da infância e momentos que marcaram a sua vida,  o artista vem criando artes abstratas e geométricas, assim deixando os ambientes mais alegres e coloridos com as suas obras.

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Alexandre Venâncio

Toda sua vida acadêmica e profissional tem sido dedicada ao aperfeiçoamento de sua formação como designer gráfico pela Faculdade de Belas Artes de São Paulo. Em uma de suas experiências profissionais, trabalhou como designer de embalagem em uma empresa exportadora de café. Nessa época pôde entrar em contato com pessoas de todos os continentes. Esses contatos profissionais, que as vezes se estendiam a relações pessoais, alimentaram ainda mais uma vontade já enraizada de conhecer como morador lugares do mundo que já admirava. Resolveu então deixar o emprego na época e abrir sua própria agência de design, a Oporto Design, uma agência criada num modelo que permitiria temporadas trabalhando fora do Brasil, enquanto a estrutura funcionava normalmente em São Paulo. Dessa forma ele conseguiu morar um tempo em Genebra, em Berlin, em Lisboa e em Paris. Se tornando um período muito rico, no qual ele pode se alimentar ainda mais de referências artísticas e culturais e conseguiu ampliar sua mente para um universo muito mais diverso. Esse estímulo todo permitiu que ele se sentisse confortável para explorar diversas áreas criativas, extrapolando o universo do design gráfico, e avançando sobre áreas como ilustração e fotografia. Artes as quais ele considera complementares ao seu trabalho como designer gráfico, e nos últimos tempos passaram a tomar um espaço muito mais importante em sua rotina de trabalho.

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Alfredo Sanchez

Nasceu na cidade do México em 1954. Estudou direito com especialização em Comércio Internacional.

Tudo começou há 15 anos no mundo da fotografia, quando a era da tecnologia estava começando. Estudou profundamente as técnicas de  fotografia. Como ele comenta, em sua idade, a única maneira de estudar era nas escolas e em seminários e workshops. 

Nos ultimos 10 anos, participou do congresso mundial de Photoshop em Las Vegas, Nevada e Orlando, na Flórida. 

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Ana Paula Hoppe

A delicadeza e força de ser mulher, o amor próprio, as cores e a beleza das flores são as principais características da artista. Artista por vocação, Ana Paula dedicou-se por um tempo a música, e de maneira despretensiosa e autodidata, começou a criar colagens 100% digitais. 

Atualmente, além do Brasil, atua em Londres (Decide Art Gallery) e Los Angeles (Fresh Paint Art Advisors).

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Anthony Lamb

De uma família criativa, Anthony sempre foi motivado a seguir carreira nas artes, cursou faculdade de arte e estudou design de móveis e produtos na universidade. A intenção de Anthony é produzir fotografia simples e fácil de entender ,  e usando o espaço negativo em sua fotografia, ele pretende chamar a atenção para o assunto principal da fotografia. “Eu sempre tentei incorporar a serenidade, o isolamento e o silêncio em meu trabalho e esses elementos refletem o espectador, aprofundando seu interesse na alma.” Ele pretende reduzir as complexidades de um assunto para manter o interesse dos espectadores. Essa simplicidade abre a porta para a auto-interpretação e o humor, similarmente ao da arte abstrata e torna a fotografia um pouco mais íntima.

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Ashley Bailey

Ashley cresceu no Texas e se formou em Historia da Arte pela Universidade do Texas em Austin. Ela trabalhou como designer de florais por duas décadas em Dalas, Nova York, Houston, Atlanta e Austin. Como fotografa autodidata, Ashley criou um arranjo de flor duradoura através da lente de uma câmera depois de uma mudança de vida causada por um acidente em 2012 que a deixou fisicamente incapaz de criar para eventos de larga escala. Como artista, Ashley é completamente definida pela flor. Sua coleção “Dark” foi inspirada na transição da flor bonita a uma haste morrendo e um profundo desejo de preservar a metamorfose do momento.

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Ava Castro

Ava Castro trabalhou como designer de interiores e restauradora sacra por um longo período. No ano de 1993 iniciou o trabalho de pintura em canvas. Sua arte contemporânea se expressa através de seus trabalhos, realizados com pinceladas largas, colagens e sobreposições de camada de cores fortes. Estudiosa nata, atualmente explora fotografias e detalhes arquitetônicos, enriquecendo seu processo criativo e resultando em peças que restauram memórias.

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B

Bar Design

Formada por Angélica Aoki e Rafael Tortella, a Bar Design é uma equipe que desenvolve projetos de design de produto, gráfico e presta consultoria de imagem e design estratégico. A metodologia baseia-se na troca de experiências entre clientes, designers e usuários para criar o novo. Os projetos visam inovação e o bom design, buscando a perfeita relação entre produto e o usuário. O reconhecimento vem através de prêmios de design, exposições e publicações nas principais revistas, jornais e sites. A parceria com a ARTIMAGE direciona sua criatividade para o wall decor, tendo como referência a OP ART, as obras estimulam a percepção ótica do observador. Elementos gráficos estáticos dispostos em composições cuidadosamente estudadas surpreendem pelos seus efeitos de movimento.

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Beto Carrazzone

Pintor, escultor e desenhista, mudou-se de São José do Rio Preto para São Paulo em 1986. Três anos depois concluiu o curso de comunicação social e iniciou suas atividades artísticas. 
Produziu em 1994 o cenário para a primeira campanha nacional de combate a Aids para a sociedade Viva Cazuza, e realizou sua primeira exposição individual no Rio de Janeiro. 

Os relevos e recortes sempre foram uma constante na obra do artista, sendo a encáustica a técnica utilizada para o desenvolvimento de seu trabalho. Os desenhos em nanquim foram, a partir de 2000, inspiração para o desenvolvimento de esculturas produzidas em metal. Ganharam volume quando passaram a ser produzidas com fios e chapas de ferro, assumindo dimensões e ocupando superfícies planas e construindo assim, um repertório diversificado de obras associadas a materias como madeira, vidro e acrílico. 

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BRUNO RIBEIRO

Bruno Ribeiro, fotógrafo e artista visual natural de Salvador, iniciou sua carreira aos 18 anos, hoje, completando quase três décadas de carreira, dono de um olhar expressivo, possui um consistente trabalho autoral pautado pela união da estética com a arte.

Realizou   diversas exposições individuais, publicações em livros, guias internacionais, além de salões de arte e exposições coletivas pelo Brasil, e recentemente na Colômbia e EUA. 

Em 2016 foi um dos fotógrafos selecionados (50 imagens) para integrar o acervo permanente do Museu da Fotografia Baiana, o Espaço Pierre Verger em Salvador-­‐ Bahia.

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C

Carmen Vontrueba

Carmen Vontrueba é uma arquiteta espanhola que vive em Londres. Ela estudou na Universidade Politécnica de Valencia onde também ganhou diversos prêmios na área de design e inovação. Quando se mudou para Londres, concluiu seus estudos como designer de interiores na Central Saint Martins.Criou sua marca um pouco antes de mudar para o Reino Unido, onde ela cresceu muito rápido e se tornou conhecida internacionalmente. Suas artes são influenciadas por expressões da arquitetura e o estilo escandinavo está presente nas obras. Cores, linhas, geometrias e texturas são algumas das características usadas que tornam as peças da Vontrueba de fácil reconhecimento artístico.

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Catherine Mcdonald

Catherine é uma fotógrafa americana que reside atualmente em Seoul. Apesar de ser nativa da Geórgia de coração, devido ao seu estilo de vida boêmio e nômade viajou por 16 anos em 4 continentes, o que lhe proporcionou diversas oportunidades para diversificar seu portifólio. Seja flora, fauna, um objeto único ou uma cena, o estilo sutil e caprichoso de Catherine melhora a cada nova imagem fotografada.

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Cícero Silva

Cícero desenvolve sua própria ideia sobre formas, proporções e dimensões, através da experiência adquirida na criação e execução de projetos de arquitetura. Com referência no construtivismo, dedica-se a obras tridimensionais, caracterizando seu trabalho com a combinação de formas, cores, ritmos e texturas. Os módulos que compõem suas obras são pintadas e coladas um a um, Cícero em seu meio de trabalho é considerado um homem que concilia em tudo o que faz, engenho e arte.

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Clarice Borian

Clarice Borian é artista plástica, estudou Antropologia e sempre orbitou pelo universo das poéticas têxteis. Tem na natureza sua referência primordial. Adora o universo de cores dissonantes advindas da cultura urbana de matriz pop-tropical. Tatua dizeres nos objetos criando pontes de reflexão e alegria. Criou a marca de roupas Brazoo, que conduziu de 1997 a 2011, conhecida por valorizar e promover os fazeres manuais e a cultura e estética popular brasileira. Borda folhas secas como forma de ampliar seu olhar sobre a natureza e a simplicidade do que lhe é essencial. Participa de mostras, exposições e projetos no Brasil e no mundo, entre eles Sesc, Museu A Casa, Centro Cultural Banco do Brasil.

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Claudia Furlani

Claudia Furlani nasceu em São Paulo em 1964. É artista plástica e designer formada pela Fundação Armando Alvares Penteado. Trabalha com colagem, pintura, fotografia e arte digital. Prêmios recebidos Ventipertrenta 2010 -Museu Midac / Italia - Euroclick 2012/ Brasil. Já expos em Los Angeles, Cuba, México, Itália, New York, Holanda, Miami, Rio de Janeiro e São Paulo.

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Cole Thompson

Cole faz fotografias em preto e branco desde os 14 anos de idade. Eu sempre me pergunto: “Por que preto e branco?” Eu imagino que é porque cresci num mundo preto e branco. TV, cinema e jornais eram em preto e branco. Minhas imagens são uma extensão do mundo em que cresci. “ Para mim cor lembra imagem, mas preto e branco captura o sentimento que se encontra debaixo da superfície.

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D

Dada Cardoso

Iniciou como fotógrafa jornalista no Jornal Folha de São Paulo e trabalhou em várias revistas periódicas ao longo da sua carreira.Traballhou em diversas campanhas publicitárias, catálogos de moda, campanhas da Casa Cor e mostra Black na Oca. Também teve a oportunidade de publicar três livros ao longo de sua carreira: "RETRATOS" (fotos de personalidades brasileiras),"PROPAGANDADÁ" (fotos de publicitários brasileiros) e “GÊMEOS (fotos de gêmeos), seu  trabalho se encontra em museus, galerias, ambientes culturais, em coletivas e individualmente, no Brasil e no exterior.Faz parte da ”Archive 200 Best AD Photographers Worldwide" e da coleção Pirelli no MASP, SP. Hoje continua atuando e desenvolvendo seus projetos pessoais dedicados a natureza, flores, arquitetura, carros antigos e, claro, os retratos.

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E

Emmanuel Coupé

Emmanuel nasceu em Paris em 1974, numa família com grande tradição na música. Sendo o seu bisavô Manolis Kalomiris o Compositor Nacional da Grécia, ele foi imediatamente imerso nas artes. Este ambiente o levou ainda jovem para outra forma de arte: a fotografia. Teve a sua primeira exposição fotográfica no Círculo Fotográfico de Atenas, juntamente com suas primeiras publicações aos 18 anos. Anos mais tarde, enquanto estudava nos EUA, ele combinou a sua paixão pela natureza e as montanhas com a fotografia, comprometendo sua arte para a fotografia de paisagens. Grande parte do seu trabalho está relacionado a ambientes de temperatura mais fria e muitas vezes extremas, com fortes elementos de iluminação mais escura. Recebeu muitos prêmios por suas obras, incluindo o de fotógrafo de paisagem do ano no Reino Unido e o primeiro prêmio National Geographic em comemoração aos 125 anos da revista. Ganhou também vprêmios de 1º lugar no IPA, PX3 Paris, Epson, Sony, “Spyder Awards”, “Masters Cup” e outros prêmios internacionais de prestígio. Suas obras têm sido publicadas e expostas em países como EUA, Austrália, França, Reino Unido, China e Grécia nas principais revistas e na mídia. Como fotógrafo, ele considera a impressão como a pedra angular de todo o processo fotográfico, promovendo a ideia de que eles também devem manusear e completar a impressão do seu trabalho.

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G

GIOVANNA ARYAFARA

O amor de Giovanna pela fotografia começou há 40 anos com seu primeiro trabalho em gerenciamento de um estúdio de fotografia em PB em Wellington, Nova Zelândia. Mudou seu foco para a fotografia de casamento / styling por 8 anos na Austrália e isso a levou a se tornar uma fotógrafa escolar em Sydney e Nova Zelândia por muitos anos.

Em 1997, Giovanna começou seu próprio negócio de compras, o que exigiu que ela viajasse extensivamente pela Índia, Bali, Nepal e Birmânia. Isso deu a ela a oportunidade de viajar para países exóticos e perseguir seu amor pela fotografia capturando pessoas em seu ambiente natural e contando sua história sem palavras.

Giovanna teve 5 exposições fotográficas na Austrália e em Bali. Em 2018 foi escolhida para expor no African Photography Festival, em Nova York, e no Atlas of Humanity Exhibition, em Paris, 2019.

 

Nos últimos 15 anos, ela produziu cartões de suas imagens através da empresa australiana Spirit Publishing. Ela viaja para a Índia e Etiópia anualmente.

Seu amor pela fotografia, arte, tecidos e artesanato tribal se reúnem em seus altamente conceituados lares de Bali e lojas de estilo de vida Bungalow Living. Giovanna atualmente mora em Bali com o marido, seus 4 poodles e um gato Bali.

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Guil Macedo

Guil Macedo nasceu em São Paulo, e desde os 16 anos viaja pelo mundo com a necessidade de experimentar novas trocas culturais. Herdou a paixão pela arte de seu pai, que foi fotógrafo quando jovem. Guil tem capacidade de permear ideias em um sentido multi-fractal e multi-camadas, dando a ele uma maneira intrínseca de desenvolver ideias inconcebíveis. Fez mais de 40 curtas-metragens em todo o mundo com vários artistas reconhecidos. Ele também foi o produtor do filme "Bel borba aqui" parte da coleção permanente da Academy of Motion Picture Arts and Sciences. Já expôs suas obras na Europa, Brasil e nos Estados Unidos. Durante toda a sua carreira, Guil foi o produtor e criador de vários eventos sociais, baseados em public art, envolvendo a comunidade para fazer parte do processo criativo, resgatando o sentimento de pertencimento, para àqueles esquecidos pela sociedade.

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H

Humberto Angélico

Nascido em 1960 na cidade de São Paulo, formou-se em mecânica de precisão pela Escola Suiço Brasileira.

Especializou-se em vários tipos de processos e materiais, oque possibilitou o seu desenvolvimento em inúmeras técnicas e materiais nas artes plásticas.

Desenvolve atualmente estudo de formas tridimensionais, explorando luzes, sombras e elementos da natureza.

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I

IVAN KOVALEV

O artista criativo Ivan Kovalev nasceu na cidade russa de Kostroma. Originalmente físico, Kovalev descobriu a fotografia em 2014 e foi imediatamente fisgado. Ele então começou a desenvolver seu próprio estilo pessoal junto com a maquiadora Julia Valerie. Com precisão e imaginação artísticas, ele visualiza a relação entre o modelo e o ambiente ao redor. Seus esforços o recompensaram com inúmeras indicações e prêmios, tanto internacionalmente quanto em seu país de origem. 2019 ganhou ouro e bronze no Super Circuito de Trierenberg, o maior concurso mundial de arte fotográfica .

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J

Jonathan Chritchley

Jonathan Chritchley é um fotógrafo de fine art reconhecido mundialmente e seu trabalho exposto em galerias de arte, exibições, livros e revistas. Nascido em Londres Jonathan desistiu de uma carreira de sucesso como diretor de marketing para mudar-se para o Sul da França e dedicar-se à sua verdadeira paixão – a fotografia do oceano. Ele trabalhou em 35 países, incluindo Japão, China, America do Sul e Africa. Jonathan foi nomeado um dos 'Top 100 Photographers of All Time' pelo The Sunday Times. O seu primeiro livro, SILVER, com 136pgs de edição em fine art foi publicado em 2014 e em 2016 ele entrou para a The Royal Geographical Society (FRGS), Um navegante apaixonado, nadador e mergulhador, Johnathan mora em Biarritz no Sul da França com sua esposa e filhos pequenos.

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José Fina

José Fina cria em suas fotografias novas dimensões. Ele brinca com hábitos de visualização e mostra que um ponto é muito pouco para captar a realidade. Como artista, ele é todos os meios modernos de edição de imagem muito aberto. Ele é atraído pela incomum, o "nunca-visto antes". Ele também se dedica à fotografia ao extremo, no qual ele usa locais extremamente inacessíveis para posicionar sua câmera, e desenvolveu técnicas para macro radical e tiro telefoto. Suas imagens podem ser encontradas em inúmeras exposições internacionais e em publicações em todo o mundo.

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K

Kalina Juzwiak

Desde pequena, Kalina Juzwiak (ou kaju) começou a expressar seus sentimentos através de ilustrações. Quando chorava, um papel e um lápis eram seu refúgio. A arquitetura foi um passo importante em sua formação acadêmica, mas foi na arte e no design que encontrou os meios para expressar visualmente o que não consegue em palavras. O trabalho se tornou também sua válvula de escape, um silêncio em meio ao caos, e as composições de suas telas, um reflexo daquilo que gostaria de ver pelas suas janelas. Foi em 2013 que kaju transformou sua paixão em rotina. de lá pra cá, a multidisciplinaridade da criadora conduziu-a por diversas experiências artísticas e projetos disruptivos. atualmente, seu studio atua entre arte e design gráfico, criando histórias visuais de instigante simplicidade.

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Kate Roebuck

Kate Roebuck é uma artista que mora e trabalha no seu estúdio em Chattanooga, TN, USA. Com larga influencia seu background na área têxtil, Kate achou inspiração nas formas, padrões, cores e texturas, explorando esses temas clássicos. Ela procura criar um diálogo visual aberto e lançar luz sobre a relação em constante evolução do criador e do criado. Desenho da natureza e da vida cotidiana, o trabalho de Kate é ao mesmo tempo audaz e peculiar, uma interpretação, sem dúvida, de todos os seus próprios. Seu mundo é melhor descrito como espirituoso, não convencional e rítmico, perseguindo o equilíbrio indescritível de brincadeira e precisão. Nascida em Pittsburgh, Pensilvânia, tem vivido no sul por quase uma década. O ritmo mais lento da vida no sul me deixa com bastante tempo para criar.

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L

Leila Nishi

Arquiteta de formação, Leila trabalhou durante muito tempo com projetos de identidade visual e design gráfico, fazia cenários, criava brindes, montava vitrines e de repente se apaixonou pela escultura em papel. “Tudo começou quase por brincadeira, quando aceitei o desafio de fazer um enorme personagem de papel para a vitrine inaugural de uma papelaria em São Paulo. Deu tão certo que decidi continuar.” Conta Leila. Seu trabalho exige sensibilidade muito aguçada no manuseio material, por isso conta com uma refinada equipe de apoio formada por artesões. Leila concebe a obra e depois é auxiliada no corte, na formatação e na colagem das peças. A artista explora volumes combinados com cores, obtendo um resultado tridimensional de impacto, mas também adota o branco e o tom cru do papel para conseguir um efeito de sombras extremamente delicado e elegante.

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Lu Oliari

Brasileiro, nascido em Uberlândia-MG, formado em Publicidade e Propaganda, especialista em Fundamentos da Cultura e das Artes - Área do Conhecimento de Artes Visual. Também especialista em Comunicação Publicitária e Marketing. Mestre em Administração de Empresas.

Atuou durante 14 anos na área de criatividade e planejamento de comunicação publicitária e durante 11 anos na docência do ensino superior nas instituições Faculdade Cásper Líbero, UnG, UNIC e FMU / FIAMFAAM.

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M

Marcelo Oséas

Fotógrafo autoral, Marcelo reside na cidade de São Paulo. Estudou Ciências Econômicas pela Faculdade de Economia e Administração da USP (FEA-USP) e atuou por nove anos em grandes companhias brasileiras, assim como no terceiro setor. Migrou integralmente para a fotografia em 2012.Sua produção está relacionada às expressões artísticas autóctones Latino-americanas, assim como culturas tradicionais, como a indígena, caiçara e andina. Mantém como campo de pesquisa os processos de assimilação da sociedade de consumo dos elementos culturais nativos, com sua consequente integração ou eliminação.

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Marcio Pontes

Formado em publicidade e propaganda, mas designer gráfico de coração, Marcio tem sua investigação artística baseada em elementos geométricos e linhas, arranjados e repetidos de forma intencional e organizada. Junto com uma combinação de cores, esses elementos priorizam o movimento e a percepção visual causados por efeitos ópticos, sua intenção é permitir que o olhar do espectador seja o condutor dessa estética e que encontre nela um apelo visual. O artista desenvolve seu trabalho para que este se encaixe a diferentes ambientes de forma a instigar a percepção e a integração ao dia a dia das pessoas. Marcio usa como matérias-primas papéis fotográficos especiais e também impressão sobre o vidro, juntando esses dois processos em caixas onde os gráficos se integram e se complementam em um só desenho.

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Mario Gerth

Mario Gerth (38) é um fotojornalista alemão. Ele é estimado e reconhecido por seus pares por ter a liberdade de ter viajado, para mais de 80 países em 5 continentes, em busca de sua paixão.Ele foi testemunha de guerra civil, pobreza, ditadura e violência - mas, mais frequentemente, ele pode vivenciar um mundo caracterizado por uma beleza graciosa."Eu gosto muito mais visitar lugares e pessoas cuja grandeza cultural e força interior os impregnem de características únicas (culturais e sociais)."Para retratar a natureza, as pessoas e suas vidas, Gerth viajou pela África por centenas de quilômetros a pé, de barco e jipe, de Norte a Sul e de Leste a Oeste. Às vezes sozinho e outras vezes na companhia de amigos, em busca de tudo o que estivesse disponível sobre a África e desse mundo.Sua fotografia é uma homenagem à África e ao povo africano! E a exacerbação de sua paixão, retratando um mundo gracioso onde a dignidade e a elegância natural estão gravadas nos rostos das pessoas. Ele vem desde o orgulho arcaico dos olhos dos homens velhos e das mais jovens crianças, até a harmonia da divindade dos vastos vales de dunas de areia e a amarga existência da fronteira do mundo.É uma coleção de retratos íntimos e fotografias vívidas de um grande continente, que suspira uma diversidade e naturalidade que faltam na uniforme e organizada sociedade ocidental. Elas documentam, informam, questionam...A fotografia de Gerth foi mostrada em exposições internacionais e publicada em inúmeras revistas com muito alarde. A “Time Magazine” apropriadamente nomeou-o como um facilitador de mudanças em nível mundial.

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MARTIN MIDDLEBROOK

Martin Middlebrook tem muitos anos de experiência em vários gêneros. Ele fez seu nome como fotojornalista, cobrindo histórias de conflito e humanitárias em todo o mundo. Ele viveu e trabalhou no Afeganistão por um ano documentando a verdadeira condição humana para seu portfólio "O Outro Lado" - uma narrativa da consequência da guerra para a pessoa normal.Ele agora está baseado em Paris e divide seu tempo entre fotojornalismo e fotografia de arte. Dirigiu para a TV, escreveu dois romances e mais de cem artigos, expôs no Museu Britânico em Londres, e teve dois documentários sobre seu trabalho da renomada emissora franco-alemã Arte TV.Sua série fotográfica de arte marinha "Earth's End" foi tirada na costa oeste da França, onde Martin passa parte de seu ano. Ele também criou portfólios de belas artes das famosas tribos africanas do Vale do Omo, na Etiópia, e uma série de retratos de elefantes africanos em apoio aos esforços de conservação para evitar sua extinção.

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N

Nicole Wells

A Australiana Wells tem sido um concorrente freqüente em vários concursos fotográficos. Na edição de 2013 do International Loupe Awards ela varreu uma prata e três bronzes e fez o terceiro lugar no Show de Páscoa Real de 2014. Wells também foi premiada em diversas exibições como no Australian Head On Photography Festival na Galeria Red em Sydney. Wells também foi a vencedora na categoria de mídia digital do Gosford Art Prize em 2014. "Espero continuar a jornada com mais aprendizado e me desenvolver mais artisticamente também"

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O

Oystein Aspelund

Øystein S. Aspelund (b. 1984) é um fotógrafo norueguês em Trondheim na Noruega. Com um background da arquitetura, ele sempre procura manter essa presença cultural nas suas imagens. Ele tem um grande fascínio pelo contraste entre a natureza e a cultura e o seu trabalho procura ilustrar essa relação especial. Um dos principais temas de sua inspiração são os lugares onde nota-se rápidas transformações como zonas de fronteira, lugares no mapa onde a civilização ainda é mais selvagem e as reflexões sobre a luta entre o homem e o seu ambiente, onde a necessidade de se expandir se opõe às forças da natureza. Muitas vezes seus resultados acabam em um campo entre o documentário tradicional e fotografia de arte. Os seus primeiros projetos, a maioria documentários, foram feitos na Alemanha em 2009, onde ele descobriu sua paixão pela fotografia. O seu trabalho está em constante transformação e desde então tem se desenvolvido em várias expressões visuais diferentes, entre eles um estilo em camadas inspirado pela luz e paisagens dos países nórdicos.

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R

Reinaldo Giarola

Natural de São Paulo, iniciou na fotografia em 1983, quando aos 15 anos com a máquina fotográfica do Pai e um tripé de um amigo, começou a registrar cenas da cidade utilizando longas exposições para buscar imagens surreais e coloridas.

Em 1984 muda residência para Salvador, cidade cheia de cores, texturas, magias e encantos, onde inicia fotografia documental sem compromisso e passa a registrar as cenas no cotidiano dessa terra que o acolheu de braços abertos.

Depois da passagem pela fotografia de canal de moda onde atuou durante alguns anos, resolve criar um banco de imagens com as cenas do cotidiano na Bahia e naturalmente é lançado no mercado de arte e decoração participando de diversos projetos na área.

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Renato Soares

Renato Soares, fotógrafo e documentarista da arte e cultura brasileiras. Desde 1986 percorre regiões insólitas do território nacional para registrar grupos étnicos com seus ritos e costumes; o povo de cada canto no caldeirão de raças e tradições do País. O gosto pela Arqueologia e Museologia foi uma consequência natural de uma ligação íntima com os povos indígenas, principalmente nas regiões Norte e Centro-oeste do Brasil, onde esteve por diversas vezes, e que resultou no livro “Krahô, os Filhos da Terra” 1994. “Entre os trabalhos de museologia, destacam-se as publicações dos livros: “Pavilhão da Criatividade da Fundação Memorial da América Latina” – SP 1999, e Sondagem na Alma do Povo” – Acervo de Arte Popular Brasileira do Museu Edison Carneiro – RJ 2005.

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Romulo Fialdini

Autodidata, inicia a carreira profissional em 1970, como assistente do fotógrafo Luiz Hossaka, no Museu de Arte de São Paulo. Permanece na instituição até 1974, onde produz imagens para catálogos, livros e para o arquivo de documentos de Lina Bo Bardi. A partir dessa data, trabalha como freelancer nas áreas editorial e de publicidade, tornando-se especialista no campo de reproduções de obras de arte. 

Paralelamente, desenvolve ensaios em preto-e-branco enfocando a arquitetura e a paisagem urbana de metrópoles como São Paulo, Nova York, Chicago e Montevidéu. Entre as mostras individuais, destaca-se Chicago, realizada em 1995, na Galeria Fotoptica, na capital paulista. Participa de exposições coletivas desde a década de 1970, entre as quais se destacam Bienal Nacional 76 (Fundação Bienal, São Paulo, 1976), 1ª Quadrienal de Fotografia (MAM, São Paulo, 1985) e Miroir Rebelle, apresentada em Paris e no Rio de Janeiro (1986). Em 2003, integrou o Clube de Colecionadores de Fotografia do MAM. Suas fotos encontram-se conservadas no Museu de Arte de São Paulo, Museu de Arte Moderna de São Paulo e Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo. A Galeria Raquel Arnaud representa o artista desde 2011.  

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S

Saída Valenzuela

Saída nasceu em 1989 em Granollers na Barcelona.

Apesar de ser formada em Tradução e Interpretação, sua verdadeira paixão sempre foi algo muito diferente.

Estudou e trabalhou com diferentes disciplinas de arte, mas sempre retornou ao que se sentia mais confortável trabalhando: a fotografia.

Ao longo dos anos, aprendeu que a melhor maneira de  se aperfeiçoar como fotografa é viver rotineiramente tirando fotos e nunca parar.

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Sarah Martinet

Sarah tem 33 anos, mora no sul da França, perto de Montpellier e tem se dedicado à fotografia há cerca de 6 anos. Este encontro com a arte da fotografia aconteceu por acaso, enquanto ela estava à procura de um fotógrafo para o próprio casamento. Assim se deu conta de que uma foto poderia ser uma obra de arte. Desde então, ela vê a fotografia como uma saída que a leva para longe das preocupações do dia a dia. “Este é o meu suspiro de ar fresco”, diz ela. E acrescenta: “eu diria que, neste momento, sou uma fotógrafa de paisagem especializada em long exposure (exposições longas), mas aberta a buscar outras especialidades, adaptando-me rapidamente. Talvez em um ano eu pare com long exposure para o macro, nunca se sabe!".

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Sergio Kovacevick

O fotógrafo Sergio Kovacevick construiu uma linguagem própria, que transita entre o lifestyle, publicidade, moda, design, arquitetura, viagem, arte e cultura. O portfólio extenso e plural abriu portas nos segmentos de comunicação, editorial, artístico e cultural, no Brasil e no exterior. Com a experiência conquistada em sua carreira dinâmica e multidisciplinar, atuou em veículos consagrados, como a Rede Globo de Televisão, os jornais Folha de S.Paulo e Estado de São Paulo, nos portais de internet Terra.com e Globo.com. Também criou e produziu para as revistas da Folha, VIP, Trip e Isto É, entre outros veículos de comunicação. No mercado publicitário trabalhou para as renomadas agências DM9DDB, F/Nazca Saatchi & Saatchi, WMcCann e Publicis Brasil, atendendo as empresas Nestlé, Skol, LATAM Airlines, Nikon, Fuji Film e Editora Abril. O artista já realizou mostras em muitos espaços importantes, vale destacar exposições no Instituto Tomie Ohtake, Casa Cor e Hotel Unique. Hoje, o profissional se divide entre New York e São Paulo, onde se dedica a criar imagens para compor séries exclusivas de Fine Art Photography, bem como a projetos culturais, com foco em livros de arte, exposições fotográficas, palestras e workshops, além de dirigir sua produtora de conteúdo cultural, editorial e multimídia, com atuação internacional. O artista já publicou imagens, assinou editoriais e expôs suas obras em dezenas de países como: Estados Unidos, Brasil, Alemanha, França, Espanha, Holanda, Itália, Rússia, Portugal, Japão, China, Hong Kong, Taiwan, Filipinas, México e Argentina.

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T

Tereza Zafón

Nascida e morando em Barcelona, Espanha, a fotografia sempre foi a sua paixão desde a mais tenra idade. Aos 16 anos ela começou a fotografar com uma Kodak Instamatic , aos 18 anos teve sua primeira câmera SLR e , desde então, ela continua a observar o mundo através de um visor. Elementos visuais - luz, sombras , texturas, cores , rostos humanos e gestos - tem sempre fascinado ela e a fotografia permite-lhe captar todos esses elementos e , mais importante ainda , os sentimentos do momento , transformando a vida em memórias permanentes. Autodidata , ela teve a possibilidade de se dedicar mais intensamente a esta paixão desde a mudança para era digital em 2005. E, desde então, teve a oportunidade de mostrar seu trabalho em várias exposições individuais e coletivas. Paisagem e as pessoas são o seu maior interesse , mas ela gosta de experimentar todo o tipo de assuntos e temas.

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V

Victor Affaro

Victor Affaro é fotógrafo há 20 anos tendo seu trabalho publicado nos mais importantes veículos do mundo como NY Times, Vogue, Monocle, Time Magazine, entre outras. 

Desenvolveu um olhar que revela narrativas a partir de pessoas e lugares. Sua atuação sempre foi ligada à captura das histórias por trás de suas imagens, seja para campanhas ou para projetos de arte e editoriais. 

Com abordagens conceituais ou documentais, Victor também dirige filmes em diversos formatos

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Vineta Cook

Vineta é fotógrafa e artista plástica de arte abstrata contemporânea. Nascida no norte da Lituânia ela iniciou na arte e na experimentação com materiais diferentes desde a infância. Com 15 anos de idade ganhou a medalha de prata do concurso European Union Art, realizado na Lituânia. Mais tarde ela concluiu o curso superior na Vilnius Universidade Pedagógica, recebendo seu diploma de bacharel em artes e em 2005 se mudou para os Estados Unidos. Vineta já recebeu prêmios da União Europeia, da International Manhattan Art. Sua arte é muito divulgada através da TV americana em seriados muito conhecidos e recentemente a pintura “Lágrimas do sol” foi escolhida para ilustrar o poema da semana po Michael Donaghy, no “Times Literary Supplement”.

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